Over the past four decades, Jean-Marie Biwer (b. 1957, Dudelange) has developed a body of figurative work that reflects a sensitivity to the world around him: both in terms of his immediate environment – the Ardennes countryside in the north of Luxembourg – and in relation to society in general. His works address subjects that are well established in the traditions of painting including landscape, the body and still life.
Yet they also question the role of painting within a world that is dense with images and information.
Faced with the proliferation of screens and moving images and the acceleration of the pace of life, JM Biwer sxeeks to make paintings that hold the intensity of the present moment, creating a space for contemplation.

Violoniste de profession, Sébastien Grébille s’est approché de la photographie par le biais de la musique. Retranscrire au public l’émotion, le geste technique ou la puissance des maîtres du classique est devenu incontournable. Peu à peu, il se mit à chercher ces ambiances intenses, lyriques et dramatiques en d’autres
lieux. La recherche de sites intemporels et surréalistes parfois, où l’on retrouve une nature puissante, féérique, sauvage, mais aussi des traces de civilisation devint une priorité. Pour mettre en scène ces vues hors du commun, il utilise une technique de longue exposition : les ciels chargés de nuages denses s’expriment alors librement, la mer devient comme laiteuse… ce qui suggère la vision d’un autre monde.

Ces photos font partie de la série « Another World », réalisée sur dix ans de temps.
Pour obtenir ce rendu, la technique de longue pose est utilisée. La prise de vue dure plusieurs minutes. L’appareil photographique utilisé est un moyen format Phase one, qui restitue un degré de détails naturels et précis sur toute l’image.
Les tirages sont réalisés sur Photorag Hannemhüle, taille image 90x90cm dans un cadre en aluminium noir de 1x1m. Les tirages sont limités dans cette taille à 3 exemplaires.

Philippe Lamesch was born and raised in Esch/Alzette, Luxembourg. He did his undergraduate degree in Namur, Belgium and moved to the United States in 2001 to pursue his graduate work in molecular biology. During his years in Boston Philippe got acquainted with the medium of printmaking and under the guidance of his teacher and mentor Catherine Kernan he developed a particular interest in copper etching and monoprinting.

After moving to California, Philippe joined the Kala Art Institute in Berkeley where he worked as a part-time artist in residence from 2008-2012. In 2012, he moved back to Luxembourg where he recently became a member of the printstudio EMPREINTE in Luxembourg city.

Most of his current work consists of multi-plate etchings made from different etching techniques including photoetching, aquatint, spitbite and drypoint.

Né en 1964, en France à Boulogne-Billancourt, Frank Jons vit et travaille au Luxembourg depuis 2001. Un diplôme d‘etudes comptables et financières en poche, mais une passion pour la peinture depuis son enfance, il décide en 1996 de s’y consacrer pleinement. Le premier déclic est l’exposition Estève au Grand Palais en 1986. Matisse, Van Gogh, Debré, Alechinsky, Rothko ou Soulages, Frank Jons dévore l’art mais c’est avant tout la couleur qui le happe. En 2000, il entreprend un voyage de 8 mois en camping-car avec femme et enfant aux États-Unis et au Canada jusqu’au cercle Arctique, ce qui lui fera changer sa façon de travailler car, pour une question pratique, il passera de l’huile à l’acrylique durant son périple. En 2008, le prix Pierre Werner le fait reconnaître sur la scène artistique luxembourgeoise. Les expositions personnelles s’enchaînent, le public découvre sa peinture instinctive d’où la couleur jaillit. Marathonien, traileur, Frank Jons est endu-
rant. Sa peinture est physique, son art une explosion chromatique.

«Il y a une sorte de frénésie, une sorte de transe au moment où je peins, une sorte d’exaltation. Ce n’est que
de l’énergie et je veux qu’elle soit libérée de toute contrainte.»

Samuël Levy, jeune artiste plasticien, catalyseur d’énergies, emmagasine tout ce qui nous entoure et le retranscrit sur la toile. Le projet “nature artificielle” qu’il développe aujourd’hui se base sur l’interaction entre les éléments externes et l’oeuvre. Ses interventions nous plongent dans un univers onirique, oscillant entre le monde organique et végétal.

Des proliférations de formes se développent et se propagent sur divers supports tels que le bois, la toile, le papier, le verre ou encore le plastique. Au travers de dessins, peintures, sculptures ou installations, nous sommes absorbés par une énergie positive et lumineuse, un mélange subtile combinant les matières industrielles, organiques et végétales nous plonge dans une profusion de formes et de couleurs générant un univers très singulier.

Sarah Mandres is a self taught artist who was born and raised in Luxemburg. She’s been very enthusiastic about painting and handicraft since her early childhood.

One of her first times she came in contact with creative working was throught her grand-mother. She was the one who planted the creativity into her head and heart and influenced her evolution from a very young age.

In 2019, Sarah started creating more full time as a way of showing her own very unique point of view.

In 2021, as a well established new-comer, she had her first solo exhibition that focused on the harmony between control and the exact opposite of it.

Oriane Bruyat is a 27 year-old Luxembourg artist who began drawing at the age of 6, alongside her professional painter and designer father.
Painting comes to Oriane when she is 19 years old. She first studied ethnology and anthropology of the performing arts at the Faculty of Letters in Nice. After this course, she joined her first passion, painting.
Her first influences were Picasso and Jean-Michel Basquiat. Her work consists of a desire to deform imagined bodies and faces. Open mouths, deaf cries of suffering.
Oriane created her characters through marble, clouds, tiles and scribbles. Everything that comes under her field of vision forms faces.
Today, she presents new series of paintings around existing people. A new exercise, which came to emerge in its creativity and in a new technique.
It is a new relationship with the body that is being created. It is a humanisation of the canvas. Man in the concrete and real sense can now be subject to the formation of a source of inspiration.

“The sex that nature gave me, my femininity is proving to be a source of anxiety for me. I express a relationship of little conflict with the vagina, the breasts. Feminine curves. The body is a separate part of the human mind. He can correspond, get along or, on the contrary, go to war. We interpret it in our own way just with thought. We think the body with several tools. It is with the brush that I tried to listen to him and understand him.
The expression brings it to life. The joyful, happy expression does not inspire me so much. I seek to take pleasure in displeasure. Because if we love all the things that culturally, we should despise then maybe happiness awaits us. One day, my body will transform, if it is not already transforming today. That my shadow will remain intact by these deformations. Deforming the body, that’s my ambition so as not to get too attached to it.”

Lascar (b.1987) is a collage and illustration artist from Luxembourg. He currently lives and works in Belgium.

His initial approach towards collage was rooted in his recognition of the works of the Dadaist movement. Ever since, his appetite for destruction and rebuilding anew only grew stronger.

Shifting perspectives by exploring the conflict between a content well-known to our eye and its estranged counterpart, is what shapes his work and its dynamic. After sifting through discarded paper media and freeing images from their initial purpose, the artist instigates a process of renegotiating the values of the subjects by compiling, re-appropriating, and rearranging the collected cut-outs and thus initiating a dialectical process.

His work intuitively reflects the inner state of mind, observing the outer world through the porthole of his view upon society itself. By following the path of the Grotesque and opposing its content to the seemingly beautiful, the good and the true, the artist hopes achieving a purifying impact on the viewer and thereby unfolding the chance of creating new narratives as well as the revision of so-called truth.

David Soner est né à Metz en 1974, et évolue aujourd’hui au Luxembourg. Adolescent, il découvre la culture Hip-Hop, qui en est alors à ses débuts. Il s’essaye aux différentes disciplines de cette culture underground, break-dance ou encore rap, mais c’est finalement à travers le graff qu’il découvre sa véritable vocation.

Il commence ainsi à déposer son “blase” dans les rues de Metz et se fait appeler Soner, en souvenir d’un ami disparu qui lui avait suggéré ce nom d’artiste. Plus que l’esprit vandale, c’est à l’esthétique que Soner s’intéresse. Cette préférence le conduit à rejoindre une école de graphisme, à changer de support et à exposer.

Pour l’artiste, le blase cache plus de travail qu’on ne le soupçonne généralement. Son obsession de la signature le conduit à la calligraphie. Son style est ainsi influencé par la calligraphie arabe. Son métier de graphiste l’ouvre ensuite à d’autres sources d’inspiration plus contemporaines, car Soner peint avec son temps, ce qui donne toute sa modernité à son oeuvre. Celles-ci sont singulières par la délicatesse et la précision du trait, qui témoignent de l’expérience de l’artiste, ainsi que par la subtilité de son choix de couleur. Et pour cause, Soner est expert en identité visuelle.

En effet, débordant de créativité mais aussi de professionnalisme, Soner met également son talent au service d’entreprises en quête d’une identité visuelle forte et originale, via sa société Caligrafizm. Dans ce secteur, Soner a la particularité de réaliser des logos à la main, gardant volontairement un fort lien avec l’artisanat.

Alain Welter, born and raised in Luxembourg, is a mural artist and illustrator. After his degree in Illustration Design at BTK in Berlin, he returned to Luxembourg to take root as an artist. Be it a wall, a barn, a bridge, facades, cooling towers or commercial spaces, Alain imparts this small country a touch of colour wherever he can.

Nonetheless, he illustrates certain magazines and had solo exhibitions in art galleries. The greatest achievements so far were Alain’s project ‘Make Koler Kooler’, where he transformed his home village ‘Koler’ (‘Kahler’) into an urban art museum; and painting five cooling towers on the premises of a steel manufacturer, which both brought him great visibility in Luxembourg and abroad.

I am an engineer and have always used photography to develop a personal language and a passion which allows me to balance the Cartesian and codified aspects of my profession.
In the course of my self-taught approach, I have studied the various photographic trends across times, cultures and technologies then available. This led me to develop a glance, a vision of my own. Even
though I am inspired by realistic photographers such as André Kertesz
and Saul Leiter, my artistic approach is currently abstract and allows me to transform the real world around us into an imaginary world which the viewer can escape into.
My photography is a long pause on urban environments around us, essential in our ever accelerating lives. It is close to that floating moment one reaches in meditation, between inhaling and exhaling. It is not the
result of a post production process but the willingness to paint, directly through the lens of my camera, a pictorial vision of my urban wanderings.

Dudelangeois d’origine, et passionné de photographie depuis son plus jeune âge, Mike Zenari s’est amusé à expérimenter divers appareils, objectifs, films et manipulations numériques.
Il aime en particulier saisir des moments sur le vif, capturer des instants et raconter des histoires avec ses images.
Ses reportages l’amènent à rencontrer constamment de nouvelles personnes, à se retrouver dans des situations aussi inexplorées qu’insolites. Il apprécie d’en réaliser des portraits ou attraper l’air du temps de ces sujets.
Au cours de ce développement, il a eu l’occasion d’exposer certaines de ses œuvres.

A part son travail artistique Mike réalise des commandes pour différents medias, maisons d’édition, associations et particuliers.

“AQUA VITA EST”
Sur la planète bleu, où tant de personnes n’ont pas accès à l’eau , l’humanité se trouve face à un désir de rationaliser sa répartition. Ce combat est représenté par la feuille morte entourée d’eau, source vitale.

Après avoir fait des études à l’école des beaux-arts d’Abidjan en Côte d’Ivoire, il est reçu à l’École supérieure d’art de Grenoble, où il continue son apprentissage artistique, qu’il terminera à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf.

Il travaille aussi bien la vidéo, la gravure, la photo, la peinture, le dessin et la sculpture, que l’installation et la performance.

Barthélémy Toguo est représenté par la galerie Nosbaum Reding, Luxembourg et la galerie Lelong & Co, Paris et New-York.

Dieudonné Fokou est né en 1971 à Bamendjou au Cameroun. Il vit et travaille à Yaoundé. Son atelier est situé sur le rocher de Messassi.

Sculpteur, peintre, sérigraphe, il a été formé par deux maîtres en arts visuels camerounais : Jean Kouam Tawadje et Joseph Francis Sumégné., lauréats de plusieurs concours d’arts plastiques au Cameroun (2006 : 2ème prix du concours international de l’ICCPPC ; 2005 : 1er prix de sculpture au 18ème concours d’art du CPS de Mbalmayo).

Il travaille sur des thèmes aussi divers que la paix, la justice ou l’identité humaine.

Ses expérimentations en sculptures de récupération ont donné des séries telles que Adieu les guerres, La poésie du métal, The digital destiny.

Soucieux de rencontres et de partages, il participe aux projets de créations théâtrales, cinématographiques ou d’animation.

Ses œuvres sont périodiquement visibles dans des expositions en Afrique, aux États Unis tout comme en Europe.

Dans le cadre de certaines formations, il donne des cours dans des écoles camerounaises et allemandes avec une méthodologie d’enseignement hybride qui s’appuie aussi bien sur son expérience professionnelle que sur des démarches des créations observées chez d’autres artistes.

Tagne William Njepe was born in 1983 in Douala (Cameroon). Growing up in a single-parent household with a sick mother, he was forced to work at an early age and eventually had to leave school to help provide for his family for several years before studying fine arts and print making at the Atelier Viking in Douala.

The loss of childhood plays a key role in Tagne William Njepe’s art, particularly his current series Enfance volée (“Stolen Childhood”), which denounces child labor and champions the right to education. Exorcising his own experiences of forced labor, Njepe portrays children doing odd jobs, their everyday reality juxtaposed with the bright colors of the background that visualizes a world of dreams filled with cartoon characters and cheerful peers.

Né en 1968 à Bafang au Cameroun, Hako Hankson vit et travaille aujourd’hui à Douala.

Artiste autodidacte, Hako, de son vrai nom Gaston Hako, était pourtant promis à un avenir tout autre. Cependant il choisit la peinture et les éléments qui ont forgé sa jeunesse. Titulaire d’un brevet de technicien en mécanique automobile, dès les classes de primaires, il ne peut s’empêcher de décorer ses salles de classes.

Hako a en effet grandi sous l’influence de l’art et des cultures des sources de son pays. Son père, premier notable de son village, était un des plus grands notables du Cameroun en plus d’être sculpteur et musicien au Palais Royal. Hako a donc été élevé entouré d’objets des rites d’initiation : masques, statuettes, totems etc. dont se servait son père. Autant d’éléments qu’on retrouve aujourd’hui dans ses œuvres. Ces sources d’inspirations, inséraient minutieusement dans son travail, nous plongent dans l’univers féérique des personnages des contes et louanges de ses ancêtres, frôlant ainsi la limite qui sépare profane et sacré.

Hako pose de plus un regard sur la dualité entre tradition et contemporanéité et nous invite ainsi à questionner « les cendres » de notre passé pour y puiser, et surtout redéfinir, notre Africanité. Il est en quête d’un avenir, selon lui certain. Qu’il s’agisse de dessins, de peintures, de sculptures ou de toutes autres formes artistiques, sa démarche et son style sont reconnaissable de par l’unité qui se dégage dans ses œuvres.

Kristine TSALA est née à Yaoundé. Elle est une fille de la foret .jusqu’a 18 ans, elle a vécu dans son village au milieu des grands arbres.la vibration de l’art était à l’intérieur d’elle, cette envie de représenter les choses selon sa sensibilité et sa vision.

Les personnages qu’elle peint sont ses nombreux arbres .sa maman a joue un rôle important dans sa vocation en l’inscrivant l’institut d’art de mbalmayo.

Elle continuera plutard aux beaux arts de Kinshasa. La rue, sa source d’inspiration intarissable …ce sont des hommes et des Femmes que l’artiste croise tous les jours, au fil de ses déambulations …les rues se douala avec leurs couleurs, klaxons, les épices, leurs odeurs.

Peinture aux coloris riches et éclatant, ses personnages girafes sont sveltes, élégants aux cous effilés …une scène ou s’entrelacent les signes mystiques et un infini héritage cultures de masques. Cette artiste propose une vision dédoublée, celle du temps difficile de l’intégration sociale avec la dualité moderne « traditionnelle ».

Amoureuse du tissu pagne, elle l’intègre dans ses compositions de manière subtile et esthétique. Ses supports varient du bois, du carton, du tissu, de la toile. La semi – abstraction de ses personnages girafes, le réalisme animalier qu’elle associe a ses composition et l’abstrait –ombres dont elle se sent attire désormais.

Né en 1984 à Yaoundé au Cameroun, Rostand Pokam est un artiste peintre qui vit et travaille à Douala.
Titulaire d’une maîtrise en Histoire des Arts d’Afrique obtenue à l’Université de Yaoundé 1, Sa passion pour les arts plastiques se concrétise à la fin de son premier cycle secondaire, bien qu’ayant une carrière bien dessinée en Mathématiques, il choisit de poursuivre ses études à l’Institut des Beaux-arts de Mbalmayo / Cameroun(IFA). Rostand Pokam est un artiste peintre libre. Ayant été bercé par les coups de pinceaux particuliers de son père (Kouam Tawadje) il a réussi à se définir une signature bien à lui.
« Apprendre tous les jours » est un credo qu’il concrétise à travers une panoplie d’atelier et résidences en l’occurrence de : « At-Work Douala 2017″organisé par la fondation Moleskine avec comme moniteur Simon Njami, Atelier de Photographie Numérique organisé par l’ambassade d’Espagne au Cameroun(2010), » l’art pour l’art-l’art pourquoi ? » animé par le Pr Vera Bourgeois, organisé par le Goethe Institute (2006).
Son travail dont le style se situe entre l’impressionnisme et le fauvisme. Il peint et dépeint les réalités « de son point de vue » de l’environnement qui l’entoure. Son approche descriptive et sociologique, ses croquis, ses couleurs fantaisistes témoignent l’expérience de ses fantasmes plastiques questionnant ainsi les notions de représentation et de présentation du contraste et de l’équilibre, pour toujours renouveler ses tentatives picturales.
Lauréat de plusieurs concours notamment 2e prix de peinture Universités de Yaoundé 1 en 2006, 2e prix de peinture Ambassade des États-Unis d’Amérique en 2014. Rostand Pokam a à son actifs plusieurs expositions collectives et individuelles.

Arnold FOKAM est un jeune artiste plasticien né en 1996 au Cameroun où il vit et travaille dans la ville de Douala.
Son travail s’articule autour de l’eau en relation avec le corps et s’ouvre vers une pratique multidisciplinaire qui explore la peinture, l’assemblage, la création sonore ainsi que l’installation.

Diplômé en Arts plastiques et Histoire de l’Art de l’Institut des Beaux-Arts de l’université de Douala à Nkongsamba, il a suivi une formation qui l’a mené davantage vers la peinture sur toile avant d’expérimenter plus tard d’autres mediums.

Artiste du rêve et de l’utopie, son travail va avoir une dimension spirituelle, culturelle et écologique. Il s’intéresse à la notion de symbiose, et propose un dialogue intime entre l’Humanité et l’univers aquatique. Il rappelle que, l’état critique de l’anthropocène met à suffisance la nécessité que les Hommes ont à prendre soin de l’Eau, source de toute vie sur Terre.
C’est de la protection et la célébration de la vie dont il est question dans son travail, mais aussi un éloge à la femme, porteuse de vie et génératrice de mondes, qui devient dans l’espace de ses mises en scène et de ses portraits bleus, le visage de la race humaine.

Il est lauréat du prix Goethe Découverte 2020/Arts visuels et son travail fait partie de plusieurs collections telles que celle du Goethe Institut et du centre d’art contemporain Doual’art.

Née en 1993 à l’Ouest-Cameroun, Aurélie Djiena vit et travaille à Douala. Ayant suivie sa formation à l’Institut des Beaux-Arts (IBA) de l’université de douala à Nkongsamba, elle y a assidument fréquenté les ateliers de Jean Jacques Kanté, Hervé Youmbi et Kristine Tsala. Elle en ressort en 2017 diplômée d’un Master II en arts plastiques.

Depuis son cursus académique, elle porte un intérêt particulier à la peinture, à l’installation, aussi à la photographie et quelque fois à l’art vidéo. Elle est enthousiasmée et passionnée d’ériger des passerelles entre la peinture, les techniques de créations artistiques et les comportements humains. Djiena affirme être très fascinée par les couleurs complémentaires qui lui permettent d’aborder la complexité de l’être humain et de son environnement.

Ancrée dans la technique du tissage, son style est un héritage se rapprochant de la vannerie (métier exercé par ses grands-parents). Sa peinture est centrée sur le pouvoir évocateur de la couleur. Par la répétition des couleurs aux reflets de l’art cinétique, Aurélie rend hommage à Vasarelly et Yaacov Agam.

Jean Vincent Kamgang Fokou, peintre naît à Bafoussam au Cameroun le 16 octobre 1990.
Arrière petit fils du sculpteur Takam Massagouong, il devient orphelin à 18 ans.

Contraint d’abandonner ses études il gagne sa vie en étant vendeur et en réalisant des travaux de graphisme publicitaire. Il profite de ses heures de liberté pour dessiner, peindre et assouvir sa soif inextinguible de connaissances dans l’histoire de l’art. Avec une grande résistance, il s’applique à surmonter les obstacles de son existence. L’art est sa seule intégrité, sa révolte, son unique moyen de survivre à la douleur d’un corps meurtri, à ses interrogations existentielles.

Le besoin de s’exprimer par le biais des pinceaux remonte à son enfance. Croquer les visages, transmettre au papier ou à la toile ses émotions.
Curieux d’explorer de multiples horizons, ses tableaux évoluent au fil du temps et sont inspirés par l’Humain.
Son style se nourrit de l’observation de notre contemporanéité. Le réalisme de son travail se teinte de touches abstraites en filigrane. Elle lui permet l’étude des êtres et des choses en témoignant de notre époque et de ses questionnements. Elle raconte un moment précis, un ressenti ou une pensée observée sur un visage ou sur un
objet. L’ambiance, la pose, le geste mais aussi les couleurs ou la texture donnent au tableau sa vision personnelle des sujets. L’universalité des émotions et des attitudes est le centre d’intérêt du travail de l’artiste peintre.

Vincent Kamgang Fokou témoigne par ses œuvres et souhaite que le spectateur y trouve un temps de réflexion et d’introspection dans l’intimité de son âme.

Il nous invite dans un monde où notre propre imagination trouvera une réponse.